大林宣彦は製作時のインタビューで「僕がこの原作を選んだのは、僕自身の個人的な思いです。1965年頃から僕は一年の半分以上アメリカに居た時期が14、15年続くんです。実は馬に乗って西部の大荒野を走りたいということがあってコマーシャル撮影とか色んなことをそれに引っ掛けて行ってたんです。その頃、僕は後にアンダーグラウンドと呼ばれる個人映画をやっていて、それはちょうどアメリカにオフハリウッドとかニューヨーク派とかの映画と同時にアンダーグラウンド映画という、一つの運動が生まれてきた時期だった。それは何だったかとひと言で言うと回復願望なんですね。映画のテーゼとしては、ジョナス・メカスの言った"虚飾はいらない、フィルムから血がしたたる映画が欲しい"と。アンディ・ウォーホルがエンパイアステイトビルを10時間撮るとか（8時間5分）、キスしてる人間だけを8時間撮るとか（50分）、今にして見ればビデオパフォーマンスのような作品をフィルムでやりだした時期とぶつかるわけです。音楽で言えば、ギター一本あって魂の歌声を聞かせれば充分じゃないかとフォークソングが生まれた時代。文学では夢とかロマンとか愛というものではなくて、セ〇〇スとか手を触れるものしか信じるものがないと。ベトナム戦争があり、日本では安保があり、皆んな眼を開いてリアリストになろうとしていた。そういう時代にロマンチシズムを醸造するハリウッド映画がダメになるのは当然で、リアリストのビデオ＝テレビが勃興してくるのも当然という時代ですよね。そこで映画作家たちは何をしたかと言うと、風が止まってしまった都会から逃げて、自分自身が風になる、ムーブするしかないとオートバイに跨って西部に向かって走り出した。自分とは何か、ということを探し直すためにね。その中の何人かはオートバイで移動中に小型のカメラを持って映画を撮り出した。あの頃、オートバイ映画は無数にありましたよ。僕は馬に乗っていたわけですが、馬というのは心臓に跨るわけだし、オートバイというのは機械時代の馬だと思った。エンジン＝心臓に跨るメカニズムで、僕にとってオートバイと小型映画というのは原風景であるわけです。その匂いをこの原作から感じたんです。片岡作品はアダルト（落ち着いた）な部分でのニュアンスを軽いフットワークの文体で描いたファッショナブルな風俗小説という側面もありますけど、少なくともこの小説を書いた時の片岡氏の心の中にあったのは回復願望というか、"僕って何?"という問いに対して懸命に答えを見つけようとしていたことは明確にあったと思うんです。しかし日本の映画の世界では、オートバイというと暴走のシンボルであるとか、決して生命を回復させるための生命の鼓動という捉え方はされなかった。そういう意味でオートバイをひとつの生き物として、生命力を持ったものとして描いてみたいなと。そのオートバイに跨る二人、つまり現代のアダムとイブはまた無名性が必要なんですよね。それが原田貴和子のデビューには相応しいと思った。今、無名の人間がデビュー出来る映画の状況なんてほとんど無いですからね。すると相手の巧も無名の神話性を持った俳優が欲しい。実はある有名な俳優さんがキャスティングされていたんです。その人でやろうともしたんですが、どうも映画が逆に小さくなる。で、ギリギリまで"巧はいないかいないか"と思ってたら、ある日、彼がスタッフルームのドアをポンと開けた。プロデューサーの大林恭子さんが"アッ！コウがいた！！"と叫んだわけです。これも極めて無名性の神話なんですが、辻褄を合わせると彼自身も銀行マンをやってたんだけど"僕って何?って考えるとどうも違うとオートバイに跨って東京に出てきた。そこでこの役にぶつかった。そういう無名のスター二人がオートバイという永遠の心臓に跨って走るということから、この映画が見えてくる。結局これは1960年代の無名の若者たちによって作り出された映画に共通だった"僕って何?という答えを求めてムーブメントを起こした、あの願望を巧がバイクのタンクを撫でるファーストシーンで表現しています。あれでアンダーグラウンドムービーの調子を出したかった。冒頭でバイクを撫でるという長い芝居は、日本映画のドラマツルギーから言うと、バランスを外すほどの意味のないシーンだけど、あそこで彼が心臓に触れ、自分自身の鼓動が動き出すということを冒頭に置いてみたかった」などと述べている（引用全体の半分以下）。

シナリオは概ね原作に準拠したものであるが、二人の幸福な未来を予見させる原作とは大きく異るショッキングな結末となっている。

本作がデビューとなる竹内力は映画初主演。それまで大阪で三和銀行の社員をしていたが、役者になりたいと一念発起してオートバイで東京に出て来た。アルバイトをしていたライブハウスでスカウトされ、この話をオーディションで聞いた大林が竹内をすっかり気に入って「この映画に出るのはキミの運命だ」と主役に抜擢した。竹内自身も「俺もピッタリだなあと思った」という。

竹内は「もちろん、演技はほぼやってなかったんで、監督から言われても、やっぱりできないですよ、なかなかそんなのはね。だけど大林監督は上手いんですよ。新人を育てるのが上手いじゃないですか、主役で。自分でお芝居をして、表情を作ってくれるんですよ。監督が『こういう表情で』、『こんな感じで』ってやってくれるんだよね。俺はモノマネすりゃあいいんだから、モノマネ。監督の顔を見て、その通りに表情を作ったりとかして。セリフ回しとかは全然何もわからないですよ。だって、立ち位置もわかんないわけだから、ハッキリ言って。今思えば、よく使ったなあと思って。もっと子役から出ているような人を使ったほうがよっぽど楽なのにさ（笑）」などと述べている。

原田貴和子は、1984年夏の妹の主演映画『天国にいちばん近い島』のニューカレドニアロケに同行し、出演はしていないが、大林と会い「今度（映画を）一緒にやろうよ」と声をかけてもらっていた。原田は『アフガニスタン地獄の日々』に続いての映画2作目だが、実質的には本作がデビュー作。原田の出演決定は1984年6月。『アフガニスタン地獄の日々』のロケで1985年3月にイタリアローマに立つ直前に本作の準備稿を渡され、『アフガニスタン地獄の日々』の撮影が終わり、帰国間もなく本作の撮影に入った。『アフガニスタン地獄の日々』はローマでオールロケのため、撮影所での撮影は本作が初体験だったという。『アフガニスタン地獄の日々』の撮影は、スタッフとのコミュニケーションもままならぬ状況で、大林の緻密で丁寧な映画作りに感銘を受けたと話している。

1996年のインタビューで原田は、本作の主役に決ったときは「監督から要求されるものに対して、それに応えたいという気持ちは120％、この映画に対する意欲は本当に強かったです。監督を信じて、自分を全部透明にして、どんな色にでも染めてもらいますという潔さがありました」「作品中、盆踊りで浴衣を着ているシーンが本当に大好きです。何だか、昔からこの島で育った〈ミーヨ〉になりきってしまったほどでした。私も田舎は長崎なんですが、海と山の両方が手でつかめるようなところで、この島の町並みはすごく懐かしい。昔からこの島で生まれ育ってたような錯覚。昔から知っていたような景色がいくつもあって、そのときの空気の匂いまで覚えています」「離れてみて初めて、人間的な意味でも映画監督としても大林監督の偉大さが分かる気がします。私は大林監督ほど、心から納得できる人とお会いしたことはないです」などと述べている。

コオがフェリーに乗って瀬戸内の島に上陸する場面であるが、フェリーは生口島（広島県尾道市瀬戸田町五本松）と伯方島（愛媛県今治市伯方町北浦）を結ぶ航路で撮影された。オートバイで港に上陸するのは北浦港での撮影であり、実際の映画撮影は個別の島に固定せず撮影場所を選んだようである。

ロケが全体の3分の2以上を占める。1985年5月23日クランクイン。ロケ隊が東京を出発し、長野県白糸の滝他、新潟県をまわり、一旦帰京。都内ロケ、世田谷区粕谷、新宿区市谷等をはさみ、にっかつ撮影所にてセット撮影。1985年6月末尾道ロケ。盆踊りのシーンは岩子島の小学校の校庭で撮影された。雨のシーンが多いのは実際に梅雨時の撮影で、予想外に雨の日が多く、また台風の接近で晴れを想定していたシーンも雨のシーンに切り換えて撮影した。1985年6月末にクランクアップを予定していたが7月にずれこんだ。

角川映画としては『スローなブギにしてくれ』『メイン・テーマ』に続く3作目の片岡作品で、ファッショナブルな映画をイメージしがちだが、大林は「ファッションの映画ではなく、心の渇望を描いた映画。50年代のハードアクションのエッセンスを施したハリウッドムービーに近い恋愛映画を狙った」などと話している。モノクロとカラーを行ったり来たりするのは、テクノ・モノクロという新しい技術によるものだという。モノクロは通常回想シーンで使用されることが多いが、今回はオートバイの質感を出すために取り入れたという。

最初は105分の映画だったが、併映の角川春樹監督作品『キャバレー』も長くなったため、「大林さんの方を15分切れませんか」といわれ、大林が承知し、大林自身が一番いいシーンと思っていた箇所を切った。削った部分は、主にコオを優柔不断に描いていたシーンとミーヨが田舎に帰って死ぬまでの愛の葛藤を描いたシーン。

同作品の冒頭から5分程経過したあたりで、レコードがかかっているシーンと共に流れる音楽は、ショパンの「エオリアン・ハープ」である。

• 第12回大阪映画祭最優秀主演女優賞（原田貴和子）
• 第8回ヨコハマ映画祭助演女優賞（渡辺典子）
• 第8回ヨコハマ映画祭最優秀新人賞（原田貴和子）